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Sonja Maria Schobinger
born in Richterswil, lives and works in Basel
„Tides of Light“ – Gezeiten des Lichts
Introduction to the Exhibition „Tides of Light“ – Gezeiten des Lichts
Photographs by Sonja Maria Schobinger
Like ebb and flow, light moves through the works of Sonja Maria Schobinger.
From her early self-portraits as a means of self-assurance for a young woman finding her place in the world, to her more recent photographs of sun-drenched treetops and dissolving flower petals.
At the beginning stands the search of a young woman for her own space in this world. The black-and-white photographs powerfully convey her critical and searching gaze—on herself as a young woman, on her personality, and on her first home, both inside and out. It becomes clear that from the very beginning of her artistic journey in the mid-1980s, Sonja Maria Schobinger has been a photographer. In the darkroom, she first explored the possibilities of analog photography through silver gelatin prints with curiosity and experimentation. Later in her artistic search, she delved into the world of digital photography, only to return again and again to traditional artistic techniques, such as drawing—though practiced using the tools of a computer screen. The camera is a significant technical instrument to tentatively explore the world and the self. Yet it is not the technical aspect of photography that interests her (today). Her quest is for the substance beyond matter; she illuminates fleeting moments with great nuance and captures their transience in her images.
Sonja Maria Schobinger’s long-term (research) projects have evolved over decades into thematic groups: early self-portraits in Coming of Age, Anthemis Nobilis, Still Lifes, Flowers, and Trees.
In the long-term project Anthemis Nobilis, we see a female body—the artist’s own—surrounded and protected by plants. For this body of work, Schobinger interwove images of her body with plant photographs taken by Josef Hanel “I. H.”, who was born in 1865 in what is now the Czech Republic. These historical, hand-colored glass slides were entrusted to her for her artistic use by brothers Bert and Walter Siegfried. The female body is more sensed than seen—its contours wrapped in various plants: mistletoe, blackberries, strawberries, violets, and delicate branches from different trees. The artist searches in her compositions for the essence of each plant and its harmonious counterpart. The result is a series of fragile image-layerings that challenge the viewer’s eye without distorting perspective. These layers generate a certain visual tension. At the same time, by combining historical botanical photography with analog images from Coming of Ageusing digital techniques, the work expresses different layers of time: past and present, the capturing of a moment and the documentation of change over time. The plants, with their unique and specific qualities, provide a protective covering for the vulnerable body—offering both protection and healing. At the same time, they embed the human organism into the forces of nature and the cycle of life.
The still life photography in the series Still Lifes draws on historical models from Flemish painting, while the tree photographs reference Japanese color woodcuts. At the same time, both make contemporary statements through light and color contrasts as well as unusual vessel shapes. The genres of painting, drawing, and photography merge. It seems as though the artist is searching for the essence of life itself—the formative forces beyond matter. Though the blooming branches and floral bouquets are arranged in vessels from various cultural contexts, they seem to grow out of and beyond them. Light reflects on the surface of matter, while at the same time that matter dissolves into the transparency of the petals.
In the moment a petal is backlit, or the shimmering canopy of a tree becomes translucent, light—the immaterial—becomes visible. And here we again encounter the photographer behind the lens, who sensitively and precisely illuminates the magic of the moment and explores the mysteries of being.
Dr. Astrid Bextermöller, Kunstvermittlerin, Kunsthistorikerin, Helvetia Kunstversicherungen, Basel
«Stets versetzt mich die Fotografie in Erstaunen (…)»
Roland Barthes: Die helle Kammer
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Wenn ich die Pflanzen fotografiere, leuchten sie von innen.
Von Martin R. Dean
Was ich auf den Fotos von Sonja Maria Schobinger sehe, ist nicht mehr. Es
ist einmal gewesen, es wurde von ihr gesehen und festgehalten. Ich entdecke in
dem Moment, in dem mein Blick auf die Bilder fällt, etwas Neues. Vielleicht
habe ich das, was ich da sehe, vergessen. Oder ich habe es noch nie gesehen:
die Fotografie kreiert eine neue Welt, die deswegen fasziniert, weil sie eine
unbestimmte, vage Erinnerung in uns wachruft. Vielleicht ist es, so paradox das
klingen mag, die Erinnerung an etwas, das es nie gegeben hat.
Die «Natur» ist etwas, das es nie gegeben hat. Es hat sie immer nur im
Blick, in der Erfahrung, in der Bewegung des Menschen gegeben. Wer durch
einen Wald rennt, erschafft den Wald. Wer auf einen Berg steigt, erschafft den
Berg. Wer den Himmel malt wie William Turner, erschafft den Himmel. Die
Fotografie ist immer eine Art von Totenkult. Da wir nicht wissen können, ob
«etwas» noch lebt oder schon tot ist, oszilliert jedes Foto zwischen dem Toten
und dem Lebendigen.
In besonderem Masse betrifft dies die Gattung des Stilllebens, auch des
fotografischen Stilllebens. Das gemalte Stillleben hält Totes (Abwesendes) mit2
den Mitteln der Malerei, das fotografische Stillleben mit den Mitteln der
Fotographie fest. In beiden Fällen werden leblose, unbewegte Gegenstände wie
Blumen, Pflanzen oder anderes ansprechend dargestellt. Ein Blumenstrauss
spricht uns deswegen an, weil er uns «lebendig» entgegentritt. Wir suchen in der
Kunst den Dialog, also das, was uns anspricht. Es steht zu vermuten, dass wir
deswegen Kunst machen und konsumieren, um unsere Lebendigkeit zu erhalten.
Ebenso suchen wir die Gesellschaft lebhafter Menschen, um selber lebendiger
zu werden oder bleiben.
Die Kunst (die Fotografie), schreibt Roland Barthes, habe etwas mit
«Auferstehung» zu tun. Man könnte es auch die Verlebendigung des
Abwesenden nennen.
In den Bildern der Fotografin Sonja Maria Schobinger herrscht dieses
besondere Licht der Schöpfung. Ich würde es ein auratisches Licht nennen.
Manchmal sind es Blüten, die hervortreten, dann sind es Farben, die ins Auge
stechen, oder es sind Arrangements, die mich nicht mehr loslassen. In
gesteigertem Masse sind die gepflückten Blumen «nature mortes» und
formulieren eine Schönheit, die es nur im Angesicht des Toten gibt. Es mag für
viele verstörend sein, wie «schön» die Stillleben Sonja Maria Schobingers
daherkommen. Dabei verhält es sich gerade umgekehrt.
Sonja Maria Schobingers Schönheiten sind kunstgemacht und deswegen ist
das Licht, das sie beherbergen (das Licht wohnt in den Fotos) ebenso anmutig
wie epiphanisch. Es ist das Licht aus dem Jenseits, das die Szenerie in ein
falsches, trügerisches Paradies verwandelt. Die Pflanzenarrangements sind
ebenso abstrakt, wie sie in äusserster Präzision konkret sind. Fast immer gibt es
in diesen Bildern der Fotografin jenen Umkippunkt, in dem aus dem Schönen,
das Ausdruck gesteigerter Lebendigkeit ist, etwas Totes wird. Egal, ob uns die
Blumen und Blütenblätter an innere Organe, an abstrakte Zeichnungen, an
Geschlechtsteile oder an Mikrostrukturen unbekannter Organismen erinnern,
ihre Ausdruckskraft beziehen sie von einem Licht, das nicht von dieser Welt ist.3
Reine Artifizialität wird im Angesicht des Vegetativen zu jenem Paradoxon, das
inszenierte Vergänglichkeit (z.B. in Still live no 21) ausdrückt. Besonders
anschaulich auch in den Fotografien mit dem Titel «Moon light» (2012) oder
«Moon flower» (2016), in denen der kalte Rausch den todessüchtigen Blick
erfasst.
Was Roland Barthes zutiefst beunruhigte, war seine Entdeckung, dass das
«punctum» auch eine zeitliche Dimension hat. Die Fotografie bildet also nicht
nur das Gewesensein ab, sondern öffnet die Sicht auf eine Zukunft hin, in der
etwas nicht mehr sein wird.
So sind Sonja Maria Schobingers Bilder auch als Studien einer
untergehenden Natur zu verstehen. Einer Natur, die nie (mehr) so schön sein
wird, weil wir sie zerstören. Sie sind also Epiphanien einer Untergangszenerie,
in denen das Absterben der Natur buchstäblich im «natur morte» aufgehoben
wird. Denn das Schöne ist immer das Verlorene, dem wir nachtrauern.
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